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2017 fue un año destacado para la ciencia ficción. SyFy cumplió 25 años de labor y, para celebrarlo, invitó a sus fans a revivir los inicios del género. Lo hizo a través de SyFy25: Origin Stories, una serie de quince podcasts en los que el reconocido conductor Adam Savage entrevistó en profundidad a creadores y referentes de la ciencia ficción.
El proyecto, que también incluyó una selección de ocho entrevistas convertidas en cortos animados, fue creado en partnership con 72andSunny y la productora Hecho en 72, que es parte del estudio. Además, formó parte de una campaña paraguas en motivo del aniversario –que ofreció otras acciones como la generación de espacios de contenido para los fans; una maratón de la galardonada serie Battlestar Galactica; o una retrospectiva de los clásicos del género en teatros de todo el país–.
Unos meses más tarde, SyFy25: Origin Stories sigue potenciando el amor por un género que cruza fronteras.
Historia colectiva
Según Jon Cotton, VP de Contenido Digital en SyFy, el aniversario coincidió con un momento en que el canal quería dedicarse más a la ciencia ficción y a los fanáticos que hicieron de esta un género “maravilloso y convincente”.
“Con las SyFy25: Origin Stories quisimos celebrar la historia colectiva del género y expresar nuestro amor por él. Sentíamos que la manera más auténtica de hacerlo era ayudando a elevar las voces de todos aquellos creadores y fans que convirtieron a la ciencia ficción en lo que es hoy. Elegimos a Adam Savage como host porque [su imagen] eleva el amor hacia el género. Él mismo es un gran ‘superfan’, además de un reconocido entrevistador”, dice.
El paso siguiente fue poner sobre la mesa una lista ideal de personajes y representantes del género para ser involucrados en el proyecto. “Mucho del proceso de la investigación consistió en encontrar los talentos adecuados para expresar con nosotros su amor por el género”, añade Cotton.
Los ocho podcasts convertidos en piezas animadas buscaron otro tipo de engagement con la audiencia. En este caso, el audio de la entrevista se conservó en off y sirvió de guía para animar la historia a modo de cuento, descubriendo cómo cada personaje se acercó a la ciencia ficción en la vida real. Para desarrollar el trabajo, SyFy eligió a la compañía de producción y animación Laundry, basada en Los Ángeles.
“Necesitábamos una compañía que fuera capaz de producir nuestro trabajo con belleza y en ocho estilos diferentes. Por la imagen y el trabajo que habíamos visto de Laundry, sabíamos que era el socio adecuado para avanzar”, explica Cotton.
Look único
La primera petición que recibió Laundry fue alejarse del look de la ciencia ficción para generar una expectativa que permitiera llegar a una audiencia más amplia. “Solo teníamos cinco semanas para lograrlo. Teníamos que manejar muchos aspectos bajo nuestro propio techo pero nos motivó saber que hay muy buenos estudios alrededor del mundo trabajando de una forma específica que permitía dar sentido a cada historia individual”, dice PJ Richardson, Director Creativo Ejecutivo de Laundry.
Fue así cómo Laundry contó con la ayuda de otros estudios internacionales –como Nerdo Studio en Italia y Váscolo o Rudo Company en Argentina– para algunas de las piezas.
“Esta es una de las maravillas de la ciencia ficción. Es un género verdaderamente internacional, tiene su propio lenguaje, no conoce fronteras nacionales. SyFy25 fue pensado para el mercado americano en su mayor parte pero también queríamos hablar a las audiencias globales. Entonces tratamos de encontrar la mejor mezcla de voces, estilos y partners que nos ayudaran a hacerlo posible”, añade Cotton.
El trabajo de animación se organizó a partir de un principal concepto: lograr que cada pieza tuviera vida propia y, además, fuera estilísticamente diferente al resto, sin alejarse de la esencia del narrador.
“Antes de iniciar la producción recopilamos muchas referencias visuales. Las comparamos entre ellas para aseguramos que todas fueran estilísticamente distintas pero, aún así, únicas y divertidas”, cuenta Richardson. “Un pequeño obstáculo fue que muchos de los narradores hablaban de temas que tienen copyright, así que gran parte de la investigación consistió en encontrar formas de mostrar a esos personajes y temas de una manera no tan literal”, sigue.
Uno de estos ejemplos es la pieza que muestra a Sana Amanat –creadora y editora de cómics, además de ser directora y editora de Marvel Comics– o DC Fontana, guionista de televisión y principal fuerza creativa de Star Trek.
El resto de las piezas presentaron las historias de Neil Gaiman, reconocido y galardonado autor de libros, novelas gráficas, cuentos cortos y películas, incluida la base de la serie nominada al Emmy American Gods; Rick Baker, artista de maquillaje y efectos especiales premiado y conocido especialmente por su trabajo detrás de cámara tanto en la película como en la serie Men in Black; Jonathan Frakes, actor de Star Trek: The Next Generation; Kevin Kelly, editor fundador de Wired Magazine; Ron Moore, guionista y creador de ciencia ficción ganador de un Premio Emmy, cuyo trabajo incluye Battlestar Galactica, Outlander y Star Trek: The Next Generation; o Frank Oz, legendario y galardonado director y creador de ciencia ficción.
El caso Neil Gaiman
La pieza dedicada a Gaiman fue la única concebida en 3D. En la narración, él cuenta cómo a los tres años de edad las botellas de leche que los niños tomaban en las escuelas inglesas despertaron su imaginación y lo llevaron a querer ver Doctor Who.
“Queríamos hacer algo un poco ‘oscuro’ pero su historia era muy amena y personal y también tenía que ver con la creatividad, así que el concepto que surgió fue ‘esculpir todo lo que emerge de la imaginación’. No teníamos tiempo de trabajar con stop motion y es por esto que nos decantamos por el 3D”, explica Richardson.
Para abordar este trabajo, Laundry contó con la ayuda del estudio argentino Váscolo, que desarrolló desde la idea creativa hasta el diseño de personajes, modelado, rigging y animación. El estudio trabajó en base a un primer storyboard realizado por Laundry que después fue evolucionando con su propio estilo.
“Laundry nos pidió una estética que tuviera un estilo cercano a la plastilina”, comenta Martín Schurmann, Director Creativo y Fundador de Váscolo. “Lo más importante era cómo se iba a ver Neil Gaiman de chico. Presentamos varios diseños de personajes y después de decidir con cuál nos quedábamos, nos dieron libertad”, añade.
La fase de investigación incluyó imágenes del personaje real, además de referencias de vestimenta de los niños de la época –en el contexto de una escuela pública de Inglaterra de los años sesenta– y de los objetos –siendo determinantes las botellitas de leche y su packaging–.
“Fue una investigación rápida, pero linda. Nos fijamos en cómo eran los trajes, los suéteres y los pantalones cortos. En base a todo esto hicimos los bocetos”, sigue Schurmann.
Asimismo, se desarrolló un análisis estético para abordar el trabajo de los personajes. “Tomamos la decisión de hacer un estilo ‘plastelina’ volumétrico, en lugar de chato, para que no se dejara de reconocer al personaje en sí”, cuenta Shcurmann.
A la hora de trabajar la paleta cromática, Váscolo optó por una combinación de violeta y celeste que aludía al mundo infantil y fantasioso. “Neil Gaiman arranca en un escenario real, está aburrido en la escuela. Cuando entran las botellas en juego y el personaje se va hacia el mundo de la fantasía, aparecen estos colores que conducen más hacia la ciencia ficción”, dice Pablo Requejo, Director de cuentas y Nuevos Negocios de Váscolo.
La pieza, además, contiene algunos guiños, como los dibujos del cuaderno que aluden a obras de Gaiman.
Según Váscolo, el proyecto habilitó a cada uno de los implicados a pensar en los propios orígenes como creadores. Según Richardson, la colaboración con el estudio argentino fue muy completa. “Trabajaron muy rápido y supieron cómo aportar algo que fuera creativamente nuevo, llenando vacíos en el pensamiento conceptual.”
English Version: Why Syfy Turned Its 25th Anniversary Podcasts Into Animated Shorts
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